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Entradas de la A a la Z

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neon

El sello Neon fue la respuesta de RCA a otros subsellos dedicados a la música “progresiva”, tales como Vertigo o Harvest, aunque desgraciadamente tan sólo funcionó durante poco más de un año, publicando 11 discos, entre 1971 y 1972. Las semejanzas de su pequeño catálogo con el de Vertigo no sólo se debe a la variedad estilística de los discos publicados (rock, folk, jazz británico, jazz rock,etc…), sino también al hecho de que varios miembros importantes del equipo de la filial de Phillips habían pasado a formar parte de RCA, y tuvieron mucho peso en el desarrollo de Neon, como por ejemplo el creador de Vertigo Olav Wyper o el artista gráfico y fotógrafo Marcus Keef, que se encargó de hace casi todas las portadas del nuevo catálogo.  Además, 6 de los discos que publicaron, iban a salir en un principio en el sello Vertigo (Brotherhood Of Breath, Indian Summer, Shape Of The Rain, Dando Shaft ,Tonton Macoute y The Running Man).A continuación, paso a enumerar los trabajos que editaron.

Fair Weather: “Beginning From An End” (NE 1, 1971)

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Para comenzar su andadura, Neon acudió a un disco que ya había sido publicado por el sello madre, RCA. Se trataba del primer álbum de Fair Weather,  la banda del guitarrista y vocalista de Amen Corner, Andy Fairweather Low, formada en 1970 junto al baterista Dennis Byron, el organista Blue Weaver, el bajista Clive Taylor y el guitarrista Neil Jones.  Reeditado bajo el nombre de “Beggining From An End”, estamos ante un buen disco de rock, con excelentes arreglos de viento, notables guitarras, tanto eléctricas como acústicas (incluyendo la Steel Guitar de B.J. Cole, que participa en algunas piezas), teclados muy presentes, tanto piano como órgano, y una buena sección rítmica. No es de mis álbumes favoritos del sello, pero tiene momentos que me encantan, como por ejemplo el inicio del disco con “God Cried Mother” (5’33), un tema redondo, con un maravilloso riff, bonitas armonías vocales, vientos, guitarras, órgano…,: la instrumental “Looking For The Red Label” (4’10), con un ritmo tremendo, sincopado, muy pegadizo y unos vientos sobresalientes, o la preciosa pieza acústica “Sit and Think” (4’17), que nos traé a la memoria a los Family de Roger Chapman.

Tras un segundo disco, la banda se separó, comenzando Andy Fairweather su carrera en solitario. Los que hayáis asistido algún concierto de Eric Clapton o  Roger Waters seguramente lo habréis visto tocar, ya que ha formado parte de sus bandas en varias ocasiones.

Chris McGregor: “Chris McGregor’s Brotherhood of Breath” (NE 2, 1971)

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Haría falta un libro para hablar de la historia de los músicos sudafricanos exiliados al Reino Unido, y su tremenda influencia en el jazz británico de los años ’60 y ’70, pero no tenemos tanto espacio. Chris McGregor  fue un gran pianista, fundador en Sudafrica de los míticos Blue Notes, junto a Dudu Pukwana, Mongezi Feza, Louis Moholo,etc…, que en compañía de sus compañeros llegó a Londres a mediados de los ’60, formando Chris McGregor Group, que desembocaría en una de las mejores formaciones del jazz británico de los los ’70, Brotherhood of Breath. En 1971, el sello Neon edita su primer disco, en el que además de tocar los músicos sudafricanos habituales, nos encontramos a algunos de los mejores músicos de la época acompañándolos. La formación es para echarse a llorar:

-Chris McGregor: piano

-Dudu Pukwana: saxo alto

-Mike Osborne: saxo alto y flauta

-John Surman: saxo soprano y barítono

-Ronnie Beer: saxo tenor

-Alan Skidmore: saxo tenor y soprano

-Marc Charig: corneta

-Mongezi Feza: trompeta

-Harry Becket: trompeta

-Malcolm Griffith: trombón

-Nick Evans: trombón

-Harry Miller: contrabajo

-Louis Moholo: batería

Con semejante equipo, no es nada raro que el resultado fuese tan bueno. El disco se abría con “MRA” (4’58), todo un himno de Dudu Pukwana, tocado por muchas formaciones a través de los años, con una melodía maravillosa y muy familiar para los que somos amantes del género. Continuaba con “Davashe’s Dream” (7’25), compuesta por el saxofonista sudafricano Mckay Davashe, más clásica, donde destacan los estupendos solos de saxo alto de Pukwana y de trompeta de Feza. “The Bride” (7’35) es otra de las mejores composiciones de Pukwana, presente en todos los directos de la época, llena de vida, variada, con todos los instrumentos interactuando de forma magistral. Destacar el brutal solo de saxo soprano de John Surman. McGregor se estrena en la composición en este disco con “Andromeda” (4’05) de carácter alegre y festivo, muy pegadiza, con cortos pero bonitos solos de Evans al trombón y Pukwana al saxo alto. También McGregor es el encargado de escribir la pieza central del disco, “Night Poem” (20’37), que ocupaba prácticamente la segunda cara entera del vinilo original. Se trata de un tema que se podría catalogar en el “free jazz étnico”, con McGregor tocando el xilofón africano y Feza y Beer las flautas indias, creando un ambiente hipnótico, un pulso que sirve como base a una locura controlada y elegante, repleta de matices y colorido, donde todos y cada uno de los músicos aporta su grano de arena. Para terminar, “Union Special” (1’42), una corta fanfarria festiva final también compuesta por McGregor.

Este gran disco marca el principio y el desarrollo de una de las grandes orquestas del momento en el jazz británico, arraigada profundamente en el free jazz y la música sudafricana, y que destacaría sobre todo en sus actuaciones en directo, como podemos comprobar en numerosos discos de archivo.

 

Indian Summer: “Indian Summer” (NE 3, 1971)

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Indian Summer tenía muchas cosas a su favor para triunfar. No sólo era una banda impresionante, sino que además tenía como representante a Jim Simpson, que por aquella época también representaba a Black Sabbath. Además, su primer y único disco fue grabado en los prestigiosos Trident Studios de Londres bajo la producción de Rodger Bain, que  también había producido el primer álbum de los Sabbath. Sin embargo, este cuarteto de Coventry sólo publicó este disco, que supuso el verdadero debut del sello Neon en el campo del rock progresivo.

Lo que sí consiguieron Bob Jackson (teclados y voz principal), Colin Williams (guitarras y coros), Paul Hooper (batería, percusión y coros), y Malcolm Harker (bajo, vibráfono y coros) , fue grabar uno de los mejores discos del sello, y hacer que los que amamos el rock de aquella época tengamos a Indian Summer como una de esas bandas de corta trayectoria a la que hay siempre que citar en una buena conversación sobre el tema. Su trabajo homónimo consta de 8 piezas que oscilan entre los 5 y los 7 minutos de duración y su sonido se basa en buenas melodías vocales, bases de órgano con detalles fantásticos de mellotrón, una sección rítmica imaginativa, inquieta e intensa y buenos solos, tanto de teclado como de guitarra, integrados en grandes secciones instrumentales . Es difícll destacar un tema sobre otro, ya que el disco es realmente compacto, pero me encanta el inicio con esa composición casi épica que es “God is the Dog” (6’38), o la maravillosa pieza instrumental “From The Film Of The Same Name” (5’53), con esos detalles de vibráfono y ese elegante solo de guitarra, sin olvidarnos  de los increíbles solos de órgano y guitarra de “Glimpse” (6’42), con el apoyo del mellotrón y cambios de ritmo sobresalientes, la brutal “Half Changed Again” (6’27), con una de las secciones instrumentales más bonitas e intensas del disco, o ese gran solo de guitarra del tema que cierra el disco, “Another Tree Will Grow” (6’06), y su emotiva e intensa parte vocal. En definitiva, un disco imprescindible.

Tonton Macoute: “Tonton Macoute” (NE 4, 1971)

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De las cenizas de la banda Windmill, que tan sólo consiguió publicar algunos singles, surge Tonton Macoute, integada por Paul French (teclados, vibráfono y voz), Dave Knowles (saxo, flauta, clarinete y voz), Chris Gavin (guitarras y bajo) y Nigel Reveler (batería y percusión). Como muchas otras formaciones, sólo consiguieron grabar un disco (que curiosamente estuvo a punto de ser producido por Eddy Offord, conocido por su trabajo con Yes entre otras cosas), pero realmente formidable. Recuerdo que la primera vez que lo escuché, me quedé muy sorprendido. Esa mezcla de rock y jazz, con unas flautas preciosas, potentes saxos,  buenos pianos, tanto eléctricos como acústicos,etc… hicieron de este trabajo uno de mis preferidos de la música británica de principios de los ’70.  Piezas como “Don’t Make Me cry” (8’48), con un impresionante inicio de saxo, sobre un hipnótico y pegadizo ritmo de bajo, batería y órgano, los pianos, los arreglos de viento, las partes vocales, los pasajes de flauta o vibráfono,etc.. son un ejemplo clarísimo de la calidad del disco, pero si necesitamos más pruebas sólo tenemos que escuchar la exótica instrumental  “Flying South in Winter” (6’26), de aires orientales, con un excepcional trabajo de flauta , saxo y percusión, y que nos recuerda a otra de las grandes bandas de la época, East of Eden, o la sección instrumental  de saxo y piano de “You Make My Jelly Roll” (7’58), formidable, sobre una base de jazz clásico, sin olvidarnos de la composición de Paul French, “Natural High” (10’48), dividida en dos partes. Aquí no sólo está la mejor parte vocal del disco, sino también unos maravillosos pasajes de saxo eléctrico, de teclado o de flauta. La desaparición de Neon dejó huéfana a esta formación de curioso nombre (Tonton Macoute era como se llamaba la policía creada a finales de los ’50 por el dictador de Haití, François Duvalier, alias Papa Doc, que mató a decenas de miles de personas, aunque el término también siginifica algo así como “El Hombre del Saco”), que teniendo algunas piezas compuestas para su siguiente trabajo, desaparecieron sin poder publicarlas.

Otro de los grandes aciertos artísticos del sello.

Dando Shaft: “Dando Shaft” (NE 5, 1971)

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Dando Shaft fue la banda más folk del catálogo de Neon. Originarios de Coventry, ya habían publicado un disco en 1970, “An Evening With Dando Shaft” antes de ser fichados por la filial de RCA. Al quinteto original, compuesto por Martin Jenkins (violín, mandolina, voz,etc…), Kevin Dempsey (guitarra acústica, voz), Ted Kay (percusión), Dave Cooper (guitarra acústica y voz) y Roger Bullen (bajo eléctrico y contrabajo), se le unió la vocalista Polly Bolton, que ya había girado con la también cantante folk June Tabor, para grabar su segundo álbum, el que aquí nos ocupa. Estamos ante un disco prácticamente acústico, inmerso en el folk británico de la época, que gozaba de muy buena salud gracias a otras agrupaciones como Fairport Convention, Steeleye Span o Pentangle, entre otras. Sin ser uno de mis álbumes favoritos del sello, creo que es una buena obra dentro de su género, donde la voz de Polly Bolton es uno de sus grandes alicientes, destacando en piezas como “Riverboat” (4’29) o “Railway” (2’46), ambas con un acompañamiento de violín magnífico. La voz de Bolton combina muy bien con la de Martin Jenkins, como podemos comprobar el la preciosa pieza inicial, “Coming Home To Me” (3’47) o en “Waves Upon The Ether” (4’35), en la Jenkins también está muy bien con la mandolina.

La banda publicó un par de discos más después de este, pero con poco éxito comercial, desapareciendo definitivamente a finales de los ’70, tras haber estado ya separados durante bastantes años entre 1972 y 1977.

Spring: “Spring” (NE 6, 1971)

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Spring fue una banda de corta trayectoria de Leicester, compuesta por Pat Moran (voz, mellotron), Ray Martinez (guitarras y mellotron), Adrian “Bone” Maloney (bajo), Pick Whithers (batería y percusión) y Kips Brown (órgano, piano y mellotrón). Fueron descubiertos por el propietario de los Rockfield Studios, Kingsley Ward, y junto al productor Gus Dudgeon (Elton John, David Bowie,etc…), grabraron su único disco, que fue publicado en 1971 por Neon. Dudgeon utilizó los Rockfield Studios y los afamados Trident Studios de Londres para traspasar al vinilo el sonido que la banda conseguía en directo, dando como resultado una pequeña joya no demasiado conocida, pero que encantará a todos los amantes del rock progresivo de la época. Su música está totalmente dominada por el mellotrón, que junto a la melódica y bonita voz de Morán, y con apoyo de las guitarras, otros teclados y la sección rítmica, nos sumerge en un cierto estado de melancolía, como conseguián también bandas como The Moody BluesCressida. Piezas como “The Prisoner (Eight By Ten)” (5’34), “Grail” (6’44), “Gazing” (5’44)  , o la tremenda “Golden Fleece” (6’59)  siguen esta onda, y hacen de este disco algo realmente especial, ayudadas por otras canciones más rockeras, como “Shipwrecked Soldier” (5’08) o más acústicas, como la preciosa “Boats” (1’53).

Por desgracia, tras grabar varias canciones excelentes para lo que debía ser su segundo disco, la banda se separó. Si os suenan algunos de los nombres de los componentes, no os extrañeis. Pick Whiters fue años después el baterista de Dire Straits y Pat Moran participó como ingeniero de sonido en discos de Van Der Graaf Generator, entre otros.

Shape of the Rain: “Riley, Riley, Wood and Waggett” (NE 7, 1971)

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Esta banda británica, formada a finales de la década de los ’60 en Sheffield,  estaba compuesta por los guitarristas y vocalistas Keith Riley y Brian Wood, el bajista Len Riley, hermano de Keith, y el baterista Tag Waggett. Tan sólo publicaron este disco, cuyo título sencillamente nombraba sus apellidos, y aunque es un álbum bonito, no es de mis preferidos del sello. Su música puede clasificarse en el folk rock, con raíces en la música de la costa oeste norteamericana y reminiscencias psicodélicas, donde destacan, sobre todo,  la belleza del sonido de las guitarras. De esta manera, nos encontramos piezas rockeras como “Woman” (4’01)“Yes” (5’53), hasta bonitos números acústicos, como  “Patterns” (3’26),con aires country y unas guitarras maravillosas, “Castles” (2’01), la maravillosa “Wasting My Time” (3’12),  o “I’ll Be There” (3’43), con una melodía fantástica , pasando por la atmósfera psicodélica de “Willowing Trees” (3’58), donde además de las guitarras destaca el piano de Eric Hines, que participó en el disco colaborando en algunas piezas.

Raw Material: “Time Is…” (NE 8, 1971)

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Cuando la banda británica Raw Material firmó con Neon para grabar su segundo disco, ya tenía el primero publicado por el pequeño sello independiente Evolution. El quinteto, formado por Dave Greene (guitarras), Phil Gunn (bajo, guitarra acústica), Colin Catt (voz y teclado), Paul Young (batería y percusión) y Michael Fletcher (saxo, flauta y voz), acompañado por un nuevo miembro, el guitarrista Cliff Harewood, publica para Neon en 1971 “Time Is…”, su mejor disco, y uno de mis preferidos del rock progresivo de la época. Una joya que comienza con “Ice Queen” (6’42), con un potente riff central de saxo prácticamente plagiado del tema “Killers” de Van Der Graf Generator, con algunos momentos que también nos recuerdan a Black Sabbath.  Aún así, la pieza es maravillosa, destacando la parte instrumental central con el piano y la flauta como protagonistas.  “Empty Houses” (7’32) sigue en la misma línea, con un buen riff central, un bonito saxo y una excelente parte línea vocal con reminiscencias psicodélicas.  Uno de los platos fuertes es “Insolent Lady” (8’53), dividida en tres partes, de una belleza campestre, con las guitarras acústicas, la flauta y la voz en perfecta armonía. Entra un delicioso piano y la pieza se acelera, hasta la llegada del saxo y la sección rítmica, que marca el momento más  enérgico de la composición, hasta el regreso de la guitarra acústica que nos invita a un final al más puro estilo “progresivo”, con ciertos aires al de “Starship Trooper” de Yes, pero con la voz y el saxo acompañando a la guitarra.

La segunda cara del vinilo comienza  con “Miracle Worker” (4’47), preciosa pieza con cierto tono épico, una buena base de saxo, guitarra y órgano y elegantes solos de teclado y guitarra. Le sigue “Religion” (4’27), al más puro estilo Family, con otro potente riff de saxo y guitarra que tanto les gustaba usar. Y para finalizar, “Sun God” (11’14), en la que la banda mezcla de nuevo, como tan bién sabe hacer, la belleza de los elementos acústicos y la fuerza de los eléctricos, regalándonos un final impresionante que nos deja extasiados.  Un disco muy especial.

 

Centipede: “Septober Energy” (NE 9, 1971)

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En noviembre de 1970 debuta en directo Centipede, una impresionante orquesta de 50 músicos liderada por uno de los mejores pianistas y compositores del jazz británico, y en mi opinión, de la música en general, Keith Tippett. Cualquier amante del género puede llorar al ver el listado de músicos que componían la banda, ya que reconocemos enseguida a varios de los miembros de grupos como Soft Machine, Nucleus, King Crimson,  Symbiosis,etc….Ahí va el listado. Entre paréntesis, otros instrumentos que los músicos tocan en el disco.

-Larry Stabins, Alan Skidmore, Brian Smith, Gary Windo: saxo tenor

-Ian McDonald, Dudu Pukwana, Elton Dean (saxello) y Jan Steel (flauta): saxo alto

-Peter Parkes, Mick Collins, Mongezi Feza (corneta), Marc Charig (corneta), Ian Carr (fliscorno): trompetas.

-Dave White (clarinet), Karl Jenkins (oboe), John Williams (saxo soprano y bajo): saxo baritono

-Nick Evans, Paul Rutherford, Dave Amis, Dave Perrottet: trombones

-Harry Miller, Jeff Clyne, Brian Belshaw, Dave Markee, Roy Babbibgton (bajo electric), Jill Lyons: contrabajos.

-John Marshall, Robert Wyatt, Tony Fennell: baterías y percussion.

-Maggie Nichols, Julie Tippetts, Zoot Money, Boz Burrell, Mike Patto: voces

-Brian Godding: guitarra

-Wilf Gibson: violín

-Keith Tippett: piano y dirección musical

-Robert Fripp: producción.

Además hay que añadir a los casi 20 violinistas y violonchelistas  de la London School of Music, lo que hace de esta formación algo impresionante.

En octubre de 1971 se publica el doble Cd “Septober Energy”, que contiene una única composición larga de Keith Tippett dividida en 4 partes (una por cada cara del vinilo). Estamos, sin duda, ante uno de esos trabajos que se salen de lo habitual, donde el jazz, el rock, la improvisación libre y la música clásica contemporánea se dan la mano como pocas veces se ha visto. Hacen falta muchas páginas para describir lo que podemos escuchar aquí, pero para los amantes del jazz rock me gustaría destacar la parte segunda, cuyos primeros 12 minutos son de una fuerza impresionante, con excelentes solos de Ian Carr (trompeta), Alan Skidmore (saxo tenor) y Brian Godding (guitarra). Esta misma pieza continua con una segunda mitad de aires africanos y unos solos preciosos de Marc Charig (corneta) y Karl Jenkins (oboé), más un dueto maravilloso entre el saxo de Brian Smith y el trombón de Dave Amis. También es muy especial la parte cuatro, basada en el tema “Green and Orange Night Park”, del segundo disco de The Keith Tippett Group, “Dedicated to You, But You Weren’t Listening”, también publicado en 1971, por el sello Vertigo. La introducción de piano, la melodía principal, ese enorme solo de saxello de Elton Dean, esas fanfarrias orquestales con las voces incluidas, la sección rítmica, tan rockera a veces…..todo es maravilloso. En definitiva, una obra imprescindible para los amantes del jazz británico.

 

Mike Westbrook: “Metropolis” (NE 10, 1971)

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Cuando Neon publicó “Metropolis”, Mike Westbrook ya tenía varios discos a sus espaldas, y ya era uno de los grandes compositores y arreglistas del jazz británico, y sin duda, junto a Graham Collier o Michael Garrick, uno de los responsables de la “independencia” del jazz del Reino Unido con respecto al americano. RCA tuvo con este disco uno de sus grandes aciertos artísticos, ya que “Metropolis” es una de las obras maestras de su tiempo. Compuesta entre 1968 y 1969, esta pieza de poco más de 50 minutos de duración y dividida en 9 partes se presentó en directo por vez primera el 18 de mayo de 1969 en el Mermaid Theatre, y su grabación en estudio se produjo el 3, 4, y 5 de agosto de 1971 en los míticos Landsdowne Studios de Londres, en Holland Park. La lista de músicos que participaron en su grabación es alucinante:

-Mike Westbrook: piano

-Nigel Carter, Kenny Wheeler, Harold Beckett, Henry Lowther y Dave Holsdworth: trompetas y fliscornos.

-Malcolm Griffiths, Paul Rutheford, Paul Nieman, Derek Wadsworth y Geoff Perkins: trombones

-Alan Skidmore, George khan, John Warren: saxos

-Mike Osborne: saxo alto, clarinet

-Ray Warleigh: saxo alto, flauta

-John Taylor: piano electric

-Gary Boyle: guitarra

-Harry Miller: contrabajo, chelo

-Chris Laurence: bajo y contrabajo.

-Alan Jackson, John Marshall: baterías

-Norma Winstone. Voz

23 de los mejores músicos del jazz británico de principio de los ’70 en una obra donde se combina el jazz clásico, el free jazz, el jazz rock,etc…, donde las excelentes partes compuestas se combinan con las improvisaciones colectivas, donde a veces creemos escuchar tanto a Duke Ellington, como a Nucleus, pasando por la London Jazz Composer Orchestra,  donde la fuerza se combina con la elegancia, con ritmos hipnóticos propios del jazz eléctrico y arreglos orquestales maravillosos propias de las grandes big bands clásicas, y todo esto rematado por excelentes solos de gente como Kenny Wheeler, Ray Warleigh, Mike Osborne, Alan Skidmore, Harry Beckett,etc….Para mí, esta es una obra compacta, sin fisuras, de la que me cuesta extraer extractos, pero por nombrar alguna, la intensidad que se alcanza en la sexta parte es sobresaliente, con dos solos geniales de Kenny Wheeler y George Khan. ¡Imprescindible!.

The Running Man: “The Running Man” (NE 11, 1972)

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A principios de la década de los ’70, el guitarrista Ray Russell pasaba del free jazz al hard rock con una facilidad pasmosa. En 1971, junto al vocalista y teclista Alan Greed y el baterista Alan Rushton, forma The Running Man, un power trio en toda regla, pero con piano y órgano añadido, en el que Russell se encarga tanto de la guitarra como del bajo de forma magistral, y en el que encontramos influencias y sonidos similares a los de bandas como Traffic, Cream, Procol Harum, etc..En su único disco, publicado en 1972 se combinan piezas cortas melódicas como la preciosa “Higher and Higher” (1’36), “Nicholas” (1’36), “Find Yourself” (2’48), que cuenta con un bonito inicio de fliscorno del trompetista Harry Beckett ,o “If You Like” (2’30), con otras de duración similar pero de corte más cercano al hard rock, como “Look and Turn” (3’23) o “Running Man” (3’16), cuyo riff es difícil de olvidar. Pero lo mejor, sin duda, son las tres piezas largas, “Spirit” (7’51), con un ritmazo impresionante, y fantásticos solos y riffs tanto de guitarra como de saxo tenor, este último interpretado por uno de los grandes saxofonistas del jazz británico de la época, Gary Windo; “Hope Place” (5’42),  con un brutal riff de guitarra, y al igual que la anterior, grandes solos tanto de Russell como de Windo, y “Another” (10’09), con aires a Traffic y un precioso desarrollo instrumental de guitarra y órgano, cambios de ritmo, solo de bajo,etc…Debido a su falta de éxito, la banda se disolvió poco después de la publicación del álbum, pero en 1973, este mismo trío, junto al teclista Jeff Watts, publicó el único disco de la banda Mouse, titulado “Lady Killer”, pero esa ya es otra historia. Por desgracia, el único trabajo de The Running Man fue la última publicación del sello Neon, seguramente porque las ventas de estos 11 discos no serían lo suficientemente considerables para el sello RCA.

Francisco Macías

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